Taller de Autorretrato Fotográfico
El Poder de Mirarse
El curso de autorretrato se consolidó como un espacio de exploración personal y colectiva, donde la cámara se convirtió en un espejo simbólico y en una herramienta de autoconocimiento. Durante las sesiones, los participantes no solo aprendieron aspectos técnicos —como la composición, la luz, el color y el uso de símbolos—, sino que también profundizaron en la dimensión introspectiva y artística de la práctica fotográfica. Asimismo, se realizaron conversatorios sobre identidad, memoria y representación.
The self-portrait course became a space for both personal and collective exploration, where the camera turned into a symbolic mirror and a tool for self-knowledge. Throughout the sessions, participants not only learned technical aspects—such as composition, light, color, and the use of symbols—but also delved into the introspective and artistic dimension of photographic practice. In addition, conversations were held on identity, memory, and representation.
Autor: Karen Kea
El taller dio lugar a esta definición de autorretrato, que surgió de la reflexión colectiva como parte del proceso.
El autorretrato es un viaje hacia fuera de uno mismo para, en el retorno, mirarse con otra luz. Es un proceso introspectivo y performático en el que la persona se convierte en sujeto y objeto de su propia representación. Puede surgir desde adentro —como expresión de pensamientos, emociones o sentimientos— o desde afuera, influido por símbolos, contextos y expectativas.
Nos fotografiamos no solo como somos, sino como queremos vernos y representarnos: a veces fieles a nuestra identidad, otras veces experimentando con alter egos, metáforas o elementos simbólicos que desbordan el rostro y alcanzan todo el cuerpo o los objetos que nos rodean. Como en la anécdota de quien, tras años de pasar frente a un edificio, un día entra y lo contempla desde arriba, el autorretrato ofrece esa revelación: un punto de vista inesperado y valioso sobre sí mismo.
Se trata de un proceso de prueba y error, en el que algunas imágenes no nos representan y otras revelan una verdad imprevista. Implica vulnerabilidad, pues el cuerpo y la intimidad se exponen ante la cámara; pero de esa vulnerabilidad surge fortaleza espiritual y autoaceptación: el “yo soy”. Quien se atreve a mostrarse ya no vive para las expectativas de otros, sino para reconocerse.
El autorretrato es también construcción de identidad: un ensayo de autoconocimiento que puede rozar la terapia. No es estático; es un viaje continuo en el que la imagen deviene escenario de un performance personal. Más que un simple producto visual, es una exploración simbólica de la propia existencia, donde la representación no necesariamente es realista, pero siempre es profundamente significativa
The workshop gave rise to this definition of self-portrait, which emerged from collective reflection as part of the process.
The self-portrait is a journey outward from oneself in order to, upon returning, look at oneself in a different light. It is an introspective and performative process in which the person becomes both subject and object of their own representation. It may arise from within—as an expression of thoughts, emotions, or feelings—or from without, influenced by symbols, contexts, and expectations.
We photograph ourselves not only as we are, but also as we wish to see and represent ourselves: sometimes faithful to our identity, other times experimenting with alter egos, metaphors, or symbolic elements that overflow the face and extend to the whole body or the objects around us. Like the anecdote of someone who, after years of passing by a building, one day enters and contemplates it from above, the self-portrait offers that revelation: an unexpected and precious point of view on oneself.
It is a process of trial and error, in which some images fail to represent us while others reveal an unforeseen truth. It implies vulnerability, as the body and intimacy are exposed before the camera; yet from that vulnerability arises spiritual strength and self-acceptance: the “I am.” Whoever dares to reveal themselves no longer lives for the expectations of others, but for the recognition of the self.
The self-portrait is also the construction of identity: an exercise in self-knowledge that can verge on therapy. It is not static; it is a continuous journey in which the image becomes the stage for a personal performance. More than a mere visual product, it is a symbolic exploration of one’s own existence, where representation is not necessarily realistic, but is always profoundly meaningful.
Aquí se reúnen los autorretratos y reflexiones de los participantes como texto de obra: imágenes donde la emoción se hizo forma y la mirada interior encontró voz. Cada fotografía es testimonio de un viaje hacia la esencia, una búsqueda personal transformada en expresión artística.
Here are gathered the self-portraits and reflections of the participants as part of their artistic statement: images where emotion took shape and the inner gaze found its voice. Each photograph is the testimony of a journey toward essence, a personal search transformed into artistic expression.
Francesc Perera Domènech
Autor:Francesc Perera Domènech
Autor:Francesc Perera Domènech
Autor:Francesc Perera Domènech
La frontera entre lo real y lo imaginado se desdibuja con frecuencia bajo la experiencia de la angustia, entendida como la exigencia de ser uno mismo. En la actualidad, redes sociales y algoritmos intensifican estas inseguridades, debilitando el pensamiento crítico y fomentando el aislamiento. Como señaló Henri Michaux, «el yo es un movimiento entre el gentío»: una identidad frágil, múltiple y en constante transformación.
Este trabajo reflexiona sobre la mutación de la identidad a través de la confrontación con el propio ser y de la búsqueda de refugios donde el anonimato resulte posible. El rostro, como máscara y escenario de emociones ocultas, y el cuerpo, como extensión limitada del ser en contextos imposibles, constituyen los ejes de esta exploración.
The boundary between the real and the imagined is often blurred under the experience of anguish, understood as the demand to be oneself. Today, social networks and algorithms intensify these insecurities, weakening critical thought and fostering isolation. As Henri Michaux noted, “the self is a movement among the crowd”: a fragile, multiple identity in constant transformation.
This work reflects on the mutation of identity through confrontation with the self and the search for refuges where anonymity may be possible. The face, as both mask and stage for hidden emotions, and the body, as a limited extension of being in impossible contexts, constitute the axes of this exploration.
Mariana Basurto
Autor: Mariana Basurto
Título: El grito que no se oye
En esta imagen me convierto en mi propia prisión.
La piel de mi rostro se transforma en barrotes, recordándome el miedo profundo de estar encerrada en un espacio que no me pertenece. Me jalo la ropa con desesperación, como si quisiera arrancar la carga invisible que me asfixia.
Aquí represento el temor de no poder decidir, de perder la libertad de ser y de elegir, de quedarme atrapada en una vida ajena, en una identidad que no reconozco. Es el agobio de no saber qué me espera, la lucha diaria por sobrevivir, y al mismo tiempo, el deseo de rendirme.
Esta imagen es un grito silencioso: la batalla entre la vida y la muerte, entre el deseo de libertad y la sombra del encierro. Al mismo tiempo, busca despertar en el espectador una pregunta inevitable: ¿qué hay detrás de esta escena?, ¿qué historia se esconde tras los barrotes pintados en mi piel?
Quiero que quien mire esta fotografía sienta la necesidad de acercarse, de indagar más allá de lo evidente, de descubrir lo que no se muestra a simple vista. Porque en esa curiosidad se abre la posibilidad de entender no solo mi encierro, sino también los miedos y luchas que todos llevamos dentro.
In this image, I become my own prison.
The skin of my face turns into bars, reminding me of the deep fear of being locked inside a space that does not belong to me. I pull at my clothes in desperation, as if trying to tear away the invisible weight that suffocates me.
Here I represent the fear of not being able to decide, of losing the freedom to be and to choose, of remaining trapped in a life that is not mine, in an identity I do not recognize. It is the anguish of not knowing what awaits me, the daily struggle to survive, and at the same time, the desire to surrender.
This image is a silent scream: the battle between life and death, between the longing for freedom and the shadow of confinement. At the same time, it seeks to awaken in the viewer an inevitable question: what lies behind this scene? What story hides behind the bars painted on my skin?
I want whoever looks at this photograph to feel the need to come closer, to search beyond the obvious, to uncover what is not shown at first sight. Because within that curiosity lies the possibility of understanding not only my imprisonment, but also the fears and struggles we all carry inside.
Maureen Estrada Murillo
A través de esta imagen pretendo expresar presencia, existencia y cambio.
El cuerpo simboliza lo interno, lo íntimo, el alma, la voz. Las manos son sostén y convergencia, una especie de balanza entre lo interno y lo externo, el ahora y el futuro. La textura sobre la piel simboliza protección y resguardo. Las hojas son la barrera que esconde al yo y a la vez lo protege.
Quisiera que el espectador pueda cuestionarse a través de la incomodidad y el desconcierto. Que la misma lo haga detenerse y empatizar con sensaciones y emociones expresadas desde la intimidad y la vulnerabilidad.
Through this image, I seek to express presence, existence, and change.
The body symbolizes what is internal and intimate—the soul, the voice. The hands are support and convergence, a kind of balance between the inner and the outer, the present and the future. The texture on the skin symbolizes protection and shelter. The leaves are the barrier that hides the self and, at the same time, protects it.
I want the viewer to question themselves through discomfort and unease. For this very feeling to make them pause and empathize with sensations and emotions expressed from intimacy and vulnerability.
Autor: Maureen Estrada Murillo
Título: Resguardo
Sandra Hernández (Vita Flumen)
Posé frente al espejo con mi viejo vestido de novia, ese que ya no cierra en la espalda. Pero lo que me aprieta no es la tela: son las expectativas que alguna vez acepté como propias, las promesas que parecían inevitables, las convenciones que entonces daban sentido a todo. Ese matrimonio se deshizo, pero yo me rehíce.
Hoy entiendo que los moldes que nos imponen —los sueños ajenos, las normas sociales, las ilusiones heredadas— terminan por quedarse estrechos cuando una aprende a escucharse. El vestido ya no me pertenece, como tampoco me pertenecen esas expectativas.
Crecí, cambié, me transformé. La piel nueva reclama espacio, aire y libertad. Y he descubierto que la vida verdadera empieza justo en el instante en que dejamos de intentar encajar en trajes que nunca fueron hechos para nosotras.
I posed in front of the mirror wearing my old wedding dress, the one that no longer closes in the back. But what tightens isn’t the fabric: it’s the expectations I once accepted as my own, the promises that seemed inevitable, the conventions that at the time gave meaning to everything. That marriage fell apart, but I remade myself.
Today I understand that the molds imposed on us—the borrowed dreams, the social norms, the inherited illusions—eventually become too narrow once we learn to listen to ourselves. The dress no longer belongs to me, just as those expectations no longer do.
I grew, I changed, I transformed. New skin demands space, air, and freedom. And I have discovered that true life begins at the very moment we stop trying to fit into outfits that were never made for us.
Autor: Sandra Hernández (Vita Flumen)